* VANGELIS... Creando sonido cósmico

Evangelos Odysseas Papathanassiou [Ευάγγελος Οδυσσέας Παπαθανασίου], más conocido como Vangelis (nacido 29 de marzo de 1943) es un famoso tecladista y compositor de música electrónica.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986).

Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

Vangelis, el pionero . La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debuta en el mercado discográfico como tecladista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se forman a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles. En 1967, Vangelis tiene la oportunidad de realizar la banda sonora de 5000 Psemmata, una película cómica griega.

Más tarde, Vangelis entra a formar parte de la banda de rock progresivo Aphrodite's Child junto a Demis Roussos (primo del artista) y Lucas Sideras. El trío consigue notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Los Aphrodite's Child publican tres álbumes de estudio, siendo el más destacado 666, un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra. En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase "do it", "hazlo", que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite's Child, trae como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el tecladista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda su propio estudio de grabación, al que bautiza como Nemo.

Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

1970 - 1980: buscando un sonido. Antes de que la banda Aphrodite's Child se disolviera, Vangelis ya había publicado un primer álbum como solista titulado Sex Power, banda sonora de la película del mismo título, dirigida por Henry Chapier, para quien también compondría la música de Amore. A este primer trabajo le suceden dos álbumes correspondientes a sesiones de improvisación, que —aunque son piezas interesantes— son publicados sin el permiso del artista, que afirma no considerarlos representativos de su estilo. Hypothesis, el primero de ellos, es un experimento de jazz electroacústico, y The Dragon, el segundo, se trata de una pieza de rock progresivo con un mayor grado de intencionalidad. En el álbum Earth, de nuevo una pieza progresiva, Vangelis propone una fusión de música rock con folclore mediterráneo, un camino por el que no transitaría en sus siguientes creaciones.

Durante mediados de los 70, Vangelis está especialmente ocupado en la composición de varias bandas sonoras para películas independientes (la mexicana ¿No oyes ladrar a los perros?, rebautizada como Ignacio, o Crime and Passion), así como algunas obras relativamente poco conocidas, sobre todo Fais Que Ton Rêve Sois Plus Long Que La Nuit, un poema sinfónico en dos movimientos sobre las revueltas de mayo de 1968 en París. Destaca en esta época su música para la serie documental L'Apocalypse Des Animaux, trabajo enmarcado en una larga lista de colaboraciones con el cineasta Frederic Rossif (George Mathieu ou la Fureur d'Etre, Pasteur le Siecle y De Nuremberg a Nuremberg, entre otras), que supone su primer éxito en listas de ventas como artista en solitario.

Entre los años 1975 y 1980, Vangelis afianza su particular sonido mediante una serie de álbumes que, en muchos casos, surgen como evolución lógica unos de otros. Heaven and Hell (1975) se trata de un álbum conceptual con múltiples piezas corales ensambladas en dos largas suites, ofreciendo un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del vinilo, que concluye con el tema vocal So Long Ago, So Clear, y composiciones más experimentales en la segunda; Albedo 0.39 (1976) constituye una de las obras más conocidas de la llamada música cósmica, fluyendo entre pasajes de rock progresivo y movimientos de vanguardia electrónica, y con un sonido más espontáneo y minimalista que el de Heaven and Hell. No en vano, Vangelis se verá a menudo ligado al mundo de la ciencia-ficción, no sólo por esta clase de sonido "espacial" que desarrolla en algunos álbumes, sino también por su participación en Blade Runner, en la serie Cosmos y en un proyecto de la NASA. El autor de 2001, Arthur C. Clarke le agradece, además, su inspiración para la novela 2010: Odisea dos.

A la misma época pertenecen otros álbumes como Beaubourg (1978), hermético, envolvente y extremadamente provocador en su aparente ausencia de melodías o esquemas rítmicos; el comercial Spiral (1977), que contiene el clásico To the Unknown Man junto a otras piezas electrónicas muy versionadas desde entonces, como Dervish D; China y Opera Sauvage (1979), ambos con abundancia de temas cortos y melódicos, fácilmente accesibles para el público general sin que por ello se renuncie a la búsqueda de profundidad artística. De ambos álbumes destacan, entre otros, los temas Himalaya y Rêve. En aquellas fechas, la película de Peter Weir El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously), adopta el tema L'Enfant, de Opera Sauvage, como sintonía principal.

En 1980 se edita el álbum See You Later, arriesgada reflexión sobre el convencionalismo de la vida cotidiana en la sociedad actual, abordada en algunos momentos con ademanes satíricos. Este álbum contiene una de las piezas emblemáticas del griego, Memories of Green, que aparecerá de nuevo en la película Blade Runner como parte integrante de su ambientación musical. El disco sin embargo había sido concebido en 1975, antes incluso de que se publicara Heaven and Hell.

La expansión y aceptación de la música de Vangelis a nivel comercial y crítico recibe un gran impulso gracias a la inclusión de varios temas de sus álbumes de los años setenta (Heaven and Hell, Ignacio...) en la exitosa serie televisiva Cosmos: Un viaje personal, un documental sobre el Universo y el origen de la vida en la Tierra creado por Carl Sagan, que ha sido emitido repetidas veces internacionalmente. Desde entonces y hasta el día de hoy, sus temas han sido tomados prestados -o plagiados en última instancia- para una infinidad de programas de televisión (informativos, documentales...) de multitud de países, spots publicitarios y actos públicos diversos, contribuyendo todo ello a que los temas de Vangelis resulten extremadamente familiares para el oyente, sin que en muchos casos éste tenga coocimiento de quién es su compositor. Más aun, es igualmente habitual que, según la tendencia popular hacia simplificar, se considere a Vangelis autor de obras como El Último Mohicano, Axel F, Miami Vice, Oxygene y hasta del Carmina Burana, demostrando así lo desconocida que sigue resultando la música instrumental, electrónica y vanguardista para buena parte del público mayoritario.

1980 - 1990: el vinilo y el celuloide. Los años ochenta comienzan triunfalmente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para Carros de fuego (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para En busca del arca perdida. El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara a su escucha independiente. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película Carros de fuego, dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como Hymne, compuesto para el seminal Opera Sauvage. En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicalizadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.

Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de "creación directa". Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

A partir del momento de recibir el Oscar, y tal vez temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de cine, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte, decisión que de hecho sólo ha sido quebrantada en contadas ocasiones. Entre los ejemplos de sus bandas sonoras inéditas se encuentran las partituras para las películas Desaparecido (Missing), de Costa Gavras, y Motín a bordo (The Bounty), de Roger Donaldson, todas oficialmente inexistentes como álbumes. Del documental de Frederic Rossif Sauvage et Beau, tan sólo queda el tema del mismo título, que sería incluido en el recopilatorio Portraits.

Su siguiente obra para la gran pantalla se convertirá en uno de sus mayores logros, una banda sonora mítica para una película de culto, Blade Runner, de Ridley Scott, grabación que tan sólo se publicó en una edición revisada en 1994, si bien las ediciones piratas abundaron en este lapso de tiempo. Scott, en su faceta de director de anuncios para la televisión, ya ha trabajado con música del griego, y aunque se contrata a Jerry Goldsmith para suplir el retraso en el envío de la grabación requerida a Vangelis, finalmente ésta es acoplada al montaje de la película antes del estreno oficial. Fue precisamente la presión de las fechas la que impidió al músico acudir a recoger el Oscar por Carros de Fuego. La partitura de Blade Runner se caracteriza sobre todo por amalgamar música electrónica y étnica con sonidos del jazz y el blues, logrando ambientar a la perfección el homenaje al cine negro desde un enfoque distópico que la película propone. El tema Memories of Green fue reutilizado con posterioridad en otra película de Scott, La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me), aunque versionado por otro artista.

El resto de los años ochenta están marcados por la alternancia de trabajos muy comerciales con otros más arriesgados, en los que Vangelis amplía sus registros musicales, obteniendo una respuesta irregular por parte de crítica y público. Ejemplos del primer tipo son Antarctica, banda sonora para una exitosa película japonesa, y Direct, grabado para su nueva compañía discográfica, y que presenta un sonido algo más aséptico y despersonalizado, destacándose los temas Elsewhere, Ave, e Intergallactic Radio Station. Al segundo tipo de álbumes corresponden Soil Festivities, con un carácter atmosférico y ambiental, e Invisible Connections, primer disco publicado por el sello alemán de música clásica Deutsche Grammophon de un compositor procedente de la esfera pop, y dominado por el carácter atonal e indescifrable de la música culta contemporánea. A medio camino entre ambas tendencias se encuentra Mask, ambicioso en su sonoridad y accesible, por otra parte, para el público no iniciado. Este álbum influiría decisivamente en algunas de sus grabaciones más conocidas de la siguiente década, especialmente en Mythodea.

Desde el punto de vista discográfico, los años ochenta concluyen para Vangelis con la partitura nunca editada de Francesco, película italiana sobre la vida de San Francisco de Asís protagonizada por Mickey Rourke; y con el álbum The City, obra que explora la combinación de ambientes urbanos con minimalismo electrónico. Este disco fue grabado en Roma, y de su carácter da testimonio la pieza Good to See You, en el que los primeros 23 segundos sólo consisten en ruidos de ciudad. En este trabajo participan con sus voces el director de cine Roman Polanski y su pareja, la actriz Emmanuelle Seigner, con quienes el griego trabajará a continuación en la película Luna de hiel (Bitter Moon), banda sonora que tampoco vería la luz, oficialmente, en forma de álbum.

1990 - 2000: solemnidad. En 1992, y tras la tibia acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner - East West) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott). El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.

La celebridad de Conquest of Paradise alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.

La colaboración con Ridley Scott en estos años no concluye con la película sobre Colón, sino que el director británico estrena con posterioridad Blade Runner: el montaje del director, en la que la eliminación de los monólogos de Harrison Ford da mayor notoriedad a la banda sonora. La trascendencia de este reestreno anima a Vangelis a publicar finalmente el álbum con su música original, aprovechando la ocasión para añadir algunos temas descartados en 1982, así como piezas totalmente nuevas que contienen fragmentos de diálogos entre los personajes. En la portada de Blade Runner no se especifica que se trate de la música original de la película, y esto es un ejercicio de objetividad por parte del griego, pues el álbum en su conjunto se puede entender más como una obra conceptual que como una banda sonora al uso. Ciertamente, y aunque los temas clásicos de la película son respetados escrupulosamente (no son retocados ni regrabados), los cortes del disco van ligados unos a otros, como ya venía siendo costumbre en las obras de Vangelis. En adelante, y aunque Vangelis y Scott no han vuelto a coincidir en un mismo proyecto, el director ha contado habitualmente con Hans Zimmer para sus bandas sonoras, un músico que, considerando su estilo compositivo, podría tener a Vangelis entre sus más importantes influencias creativas.

Los años noventa suponen para el artista un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como lo hiciese en décadas anteriores. El disco Voices explora las diferentes posibilidades sonoras de la voz humana, desde el himno pseudo-comunista Voices hasta un tema pop junto a Paul Young. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young. Oceanic, por otra parte, es un disco conceptual sobre los océanos, inspirado por las películas de nadadoras de los años 50. Es difícil calificarlo como un trabajo arriesgado, si bien es cierto que cosechó un aceptable éxito comercial y crítico entre los seguidores de la música New Age. Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3.000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995, se trata de El Greco, probablemente uno de los más conseguidos de su discografía. El Greco es un tributo al genio del manierismo y a los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando mediante diez movimientos el personal universo creativo del pintor cretense. Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95, sino que fueron añadidos en 1998.

Coincidiendo con la publicación del álbum Oceanic, aparece en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llegó a quedar terminada.

El nuevo siglo. En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum Mythodea, en parte basado en una obra anterior del artista no publicada oficialmente. Mythodea es presentado en directo en Atenas, y el evento supone la primera edición de una obra de Vangelis -poco pródigo en conciertos, por otra parte- en formato DVD. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa del mundo de la FIFA de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Circulan también rumores sobre la participación de Vangelis en la película Matrix Reloaded. No se sabe si Vangelis había creado temas originales para ella o si se pensaba utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico aparece totalmente desligado del proyecto.

En 2005 sale al mercado la banda sonora original de Alejandro Magno (Alexander), de Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que el sonido de Vangelis se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa, y que obtiene gran aceptación. Una de sus pistas, Roxanne's Veil, había aparecido anteriormente en un álbum de Vanessa Mae, cuyo violín interpreta la melodía principal. Resultó enigmática la ausencia del músico griego en las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas el año anterior, y al parecer esto se debió al trabajo que estaba realizando para la película de Stone. La posterior aparición de Alexander, The Final Cut revela que la partitura de Vangelis era mucho más extensa que la publicada en el álbum. Vangelis asegura sentirse atraído desde un principio hacia esta obra por la evidente herencia cultural que, como griego, le vincula al personaje principal de la misma

A lo largo de 2007 aparecen en el mercado dos nuevos discos de Vangelis, el primero en homenaje a Blade Runner en el 25º aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco, llamado BR 25, expande el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. Forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente. El segundo trabajo de 2007 es la banda sonora original de El Greco, coproducción hispano-griega sobre la vida y obra del pintor que le da título. Ha de tenerse en cuenta que la música contenida en este álbum nada tiene que ver con la de El Greco de 1998. Esta obra, editada (en principio) sólo en Grecia, supone la segunda colaboración de Vangelis con el director Yannis Smaragdis tras Cavafy, para la que también compuso su partitura.

En 2008, Vangelis aporta tres nuevas piezas musicales para los títulos iniciales y finales de Swiadectwo (o Testimony), un filme documental polaco sobre Juan Pablo II.

Las colaboraciones. Son de destacar las muchas colaboraciones de Vangelis con otros artistas de renombre (además de los ya mencionados). Las más importantes son las que llevó a cabo junto a Jon Anderson, vocalista de la banda de rock Yes (que estuvo a punto de contratarlo como tecladista, en sustitución de Rick Wakeman), integrando el dúo Jon and Vangelis. Esta formación es responsable de los álbumes Short Stories, The Friends of Mr. Cairo, Private Collection y Page of Life. Anderson también aparece como invitado en el tema So Long Ago, So Clear, incluido en Heaven and Hell, y en Opera Sauvage, en cuyo tema final interpreta el arpa. Dichas colaboraciones incluyen asimismo a Demis Roussos y al saxofonista de jazz británico Dick Morrissey, colaborador habitual tanto de Anderson como de Vangelis, y notablemente en el popular Blade Runner Love Theme.

Igualmente, Vangelis formó un dúo con la cantante y actriz Irene Papas, editando junto a ella los álbumes Odes y Rapsodies, ambos dedicados a recuperar para la modernidad las sonoridades del folclore tradicional helénico, si bien el segundo de estos trabajos se centra más concretamente en aspectos de la tradición cristiana griega.

Vangelis ha colaborado también con Montserrat Caballé, Vanessa Mae, Caroline Lavelle, Demis Roussos, Melina Mercouri, Suzanne Ciani, Claudio Baglioni, Mariangela, Stina Nordenstam, Michael Hoppé, Richard Anthony, Michel Huygen (con quien improvisa en directo para Televisión Española), Milva, y hasta con el actor Sean Connery (que en el single Ithaca recita el poema homónimo de Cavafis).

Discografía / Álbumes de estudio:

El Greco Original Motion Picture Soundtrack (2008)

Blade Runner Trilogy (2007)

Alexander (2004)

Mythodea. Music for the NASA Mission 2001: Mars Odyssey (2002)

El Greco (1998)

Oceanic (1996)

Foros Timis Ston Greco (edición limitada de 3000 copias) (1995)

Voices (1995)

Blade Runner (1994)

1492: Conquest of Paradise (1992)

The City (1990)

Direct (1988)

Invisible Connections (1985)

Mask (1985)

Soil Festivities (1984)

Antarctica (1983)

Chariots of Fire (1981)

See You Later (1980)

Opera Sauvage (1979)

Odes Vangelis & Irene Papas (1979)

China (1979)

Beaubourg (1978)

Spiral (1977)

La Fete Sauvage (1976)

Albedo 0.39 (1976)

Ignacio / Entends-Tu Les Chiens Aboyer? (1975)

Heaven and Hell (1975)

L'Apocalypse Des Animaux (1973)

Earth (1973)

Fais Que Ton Rêve Soit Plus Long Que La Nuit (1972)

The Dragon (1971)

Hypothesis (1971)

Sex Power (1970)

Recopilatorios:

Odyssey. The Definitive Collection (2006)

Reprise 1990-1999 (1999)

Portraits (So Long Ago, So Clear). The Very Best of Vangelis and Jon and Vangelis (1996)

Gift... (1996)

Best in Space (1995)

Themes II (1995)

The Collection (1994)

Greatest Hits (1991)

Themes (1989)

The Best of Vangelis (1978)

Singles con material no recogido en álbum:

Anthem 2002 FIFA World Cup (2002)

Ithaca (con Sean Connery, suplemento a un libro de la esposa de Connery)

A Separate Affair (con Neuronium) (2002)

March with Me (con Montserrat Caballé) (1997)

Ask the Mountains (con Stina Nordenstam) (1996)

Silent Portraits (suplemento a una publicación fotográfica de Gian Paolo Barbieri) (1984)

He Is Sailing (Jon and Vangelis) (1983)

And When the Night Comes (Jon and Vangelis) (1983)

My Love (1980)

The Long March (1979)

To the Unknown Man (1977)

The Clock / Our Love Sleeps on the Water (1968)

SINTETIZADORES MÁS USADOS POR VANGELIS

YAMAHA CS80

 

YAMAHA DX-7

* KRAFTWERK Descubriendo los sintetizadores..

Kraftwerk ('central energética' en alemán) es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y Karl Bartos.

Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.

Tras sus primeros discos experimentales, en 1974 se hicieron famosos en todo el mundo con Autobahn cuya canción de veintidós minutos demostró su confianza con los sintetizadores. Después siguieron tres álbumes muy influyentes para la música pop: Radioactivity (1975), Trans-Europe Express (1977) y The Man Machine (1978).

Fueron uno de los primeros grupos en usar únicamente instrumentos electrónicos, incluso procesaron con un Vocoder o generaron con un sintetizador vocal muchas de las letras para intensificar el tono profético de su sonido.

El duo había actuado oríginalmente en un quinteto conocido como Organisation. Este grupo lanzó un único álbum, llamado Tone Float (catalogado por RCA Records en Gran Bretaña) pero fue disuelta poco después. Las primeras formaciones de Kraftwerk de 1970 a 1974 fluctuaron, como Hütter y Schneider trabajando con alrededor de media docena de otros músicos durante el transcurso de la grabación de los tres primeros álbumes y apariciones en vivo esporádicas, más notableménte el guitarrista Michael Rother y el batería Klaus Dinger, que abandonó el grupo para formar Neu!.

La entrada, maestría, e influencia del productor/ingeniero Konrad "Conny" Plank fue enormemente significativa en los primeros años de Kraftwerk y Plank también trabajó con muchos de los artistas del panorama eléctronico alemán, incluyendo miembros de Can, Neu!, Cluster y Harmonia. Como resultado de su trabajo con Kraftwerk, el estudio de Plank cerca de Köln llegó a ser uno de los estudios más solicitados a finales de los años 70. Plank co-produjo los cuatro primeros álbumes de Kraftwerk.

1974 - 1975 * El lanzamiento de Autobahn, en 1974 vio a la banda separarse del sónido de sus primeros álbumes. Invirtieron en la más nueva tecnología como el Minimoog, ayudando a darles un nuevo sonido disciplinado. Autobahn también sería el último álbum que Conny Plank produciría. Después del éxito comercial de Autobahn, el grupó invirtió dinero para renovar su estudio. Esto significo que no volverían a confiar en otros productores externos. Por aquel entonces, el pintor y diseñador gráfico Emil Schult llegó a ser un habitual colaborador con el grupo, trabajando junto al grupo. Schult diseñó el arte de portada, además de componer letras y de acompañar al grupo en concierto.

La ya admirada formación clásica de Kraftwerk fue formada en 1975 para la gira de Autobahn. Durante este tiempo, el grupo fue presentado como cuarteto, con Hütter y Schneider unidos por Wolfgang Flür y Karl Bartos contratados como percusionistas electrónicos. Este cuarteto sería la personalidad pública del grupo para su renovada equipación de finales de los 70 y principios de los 80. Flür se había unido al grupo en 1973, en una preparación para una aparición televisiva para promocionar el tercer álbum de Kraftwerk.

Después del tour de Autobahn de 1975, Kraftwerk empezó a trabajar en un siguiente álbum, Radio-Activity. Después de una gran inversión para un nuevo equipamiento, su estudio Kling Klang fue ya un estudio de grabación entero. Se decidió que el nuevo álbum tendría un tema central. Este tema llegó de su interés en la comunicación radiofónica, que había sido realzada en su última gira por América. Mientras Emil Schult empezó a trabajar en el arte de la portada y en las letras para el nuevo álbum, el grupó empezó a trabajar en la música. Radio-Activity no alcanzó a su predecesor y fue menos exitoso en los mercados británicos y americanos. Pero abrió las puertas al grupo en el mercado europeo, obteniendo un disco de oro en Francia. Kraftwerk realizó varios vídeos promocionales y actuo en varias fechas europeas para promocionar su álbum. Con el lanzamiento de Autobahn y de Radio-Activity, Kraftwerk había dejado sus experimentaciones vanguardísticas y se había movido adelante hacia el pop electrónico.

1976 - 1982 * En 1976, Kraftwerk comenzó a grabar Trans-Europe Express en su estudio. En aquel momento, una innovación técnica estaba ocurriendo en el estudio de Kling Klang. Hütter y Schneider habían comisionado Matten & Wiechers, un estudio de Bonn, basado en sintetizadores, para diseñar y construir un secuenciador musical de dieciséis pistas. El secuenciador musical controlaba el MiniMoog del grupo, creando el sonido rítmico del álbum. Trans-Europe Express fue mezclado en Record Plant Studios en Los Ángeles y buscaron la localización para tener una atmósfera estimulante. Fue por aquel entonces cuando Hütter y Schneider se encontraron con David Bowie en el estudio de Kling Klang. Una colaboración musical fue mencionada por Hütter, pero nunca se materializó. Kraftwerk había sido ofrecido para acompañar a Bowie en la gira Station to Station, pero la rechazaron. El lanzamiento de Trans-Europe Express fue marcado por un viaje en tren usado como una conferencia de prensa por EMI Francia. El álbum fue lanzado en 1977, Trans-Europe Express marcó la transformación completa del grupo a una banda de pop electrónico.

En mayo de 1978 Kraftwerk lanzó The Man-Machine, El álbum fue grabado en Kling Klang. Durante la grabación del álbum, el grupo se sentaría detrás de la consola de mezclas de Kling Klang y dejaron los secuenciadores y el equipamiento del estudio tocando melodías. Florian Schneider se levantaría y se movería hacia un sequenciador y lanzaría otra secuencia musical. Este fue el estilo de improvisación de Kraftwerk. Este proceso se repetiría hasta que las pistas se acumularon en canciones. Debido a la complejidad de la grabación, el álbum fue mezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf. Los dos ingenieros de mezclas Joschko Rudas y Leanard Jackson, desde Los Ángeles, fueron encargados para mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producida en rojo, blanco y negro; y el arte de portada estaba inspirado por el artista ruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiado por Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas y corbatas negras. Siguiendo el lanzamiento de The Man-Machine, Kraftwerk no lanzaría otro álbum hasta otros tres años más.

En mayo de 1981, Kraftwerk lanzó el álbum Computer World, en la discográfica EMI. El álbum fue grabado en el estudio Kling Klang entre 1979 y 1981. Se pasaron mucho tiempo modificando el estudio de Kling Klang para que el grupo lo llevara en concierto con ellos. Algunas de las vocales electrónicas fueron creadas con un juguete lingüístico de Texas Instruments. "Computer Love" fue lanzado como un sencillo del álbum acompañado de un tema anterior de Kraftwerk llamado "The Model". Los DJs de radio estaban más interesados en la cara-b, así que el sencillo fue relanzado con "The Model" como la cara-a. El sencillo alcanzó el puesto número uno en Gran Bretaña haciendo de The Model, la grabación más exitosa de Kraftwerk en el Reino Unido.

1983 - 1989 * En 1983 EMI lanzó el sencillo Tour de France. El lanzamiento original de 12" fue retrasado por la discográfica hasta tener suficientes noticias de un nuevo álbum. Al final EMI lanzó el sencillo de 12" sin noticias de un nuevo álbum. Fue en ese tiempo cuando el grupo se dedique al ciclismo. Ralf Hütter había buscado una nueva forma de ejercitarse. Kraftwerk decidió tomar en su nueva imagen, la imagen de la bicicleta. Tour de France incluía sonidos que seguían a este tema incluyendo cadenas de bicicletas, mecanismos de engranaje y hasta la respiración de un ciclista. Al mismo tiempo del lanzamiento del single, Ralf Hütter intentó persuadir al resto del grupo para que grabarían un álbum entero basado en el ciclismo. Los otros miembros del grupo no estaban convencidos. El tema se quedó solamente en el sencillo. La versión mas familiar de la canción fue grabada usando voces en francés. Esas voces fueron grabadas en el estudio de Kling Klang para crear la verdadera atmósfera. Durante la grabación de Tour de France, Ralf Hütter estaba invuelto en un accidente de bicicleta grave. Sufrió daños graves en la cabeza y se quedó en coma durante varios meses. Tour de France apareció en la película de 1984 Breakin' mostrando la influencia que Kraftwerk tenía en la música dance afroamericana. Siguiendo la recuperación de Ralf Hütter de su obsesión por el ciclismo. Durante 1983 Wolfgang Flür empezó a pasar menos tiempo en el estudio. Desde que la banda empezara a usar secuenciadores, su rol como percusionista empezó a ser menos frecuente. Prefería pasar el tiempo viajando con su novia. Flür también estaba experimentando dificultades artísticas con el grupo. Después del trabajo final en el álbum de 1986 Electric Café, volvió de repente al estudio Kling Klang.

1990 - Presente * Durante principios de los noventa, la agrupación de Kraftwerk cambio durante varias veces. En 1990 Fritz Hilpert sustituyó a Wolfgang Flür en la percusión electrónica y en los efectos de sonido, y a principios de 1991 Fernando Abrantes reemplazó a Karl Bartos en la percusión eléctronica y en los efectos de sonido. Después, en 1991, Abrantes fue de nuevo reemplazado por otro miembro más estable, Henning Schmitz. En 1990, después de años de ausencia de actuaciones en directo, Kraftwerk empezó a salir de gira por Europa de nuevo frecuéntemente, incluyendo una aparición en el festival dance de 1997 Tribal Gathering, celebrado en Inglaterra. Durante el tour de 1998, Kraftwerk actuó en Estados Unidos y en Japón.

En julio de 1999 el single Tour de France fue relanzado por EMI después de que estuviera descatalogado hace unos años. Fue lanzado por primera vez en CD, añadiendo una reedición del sencillo en vinilo de doce pulgadas. Ambas versiones contienene la portada modificada reemplazando los rostros de Flür y Bartos de los cuatro hombres ciclistas que posaban en la portada original.

El single "Expo 2000" fue lanzado en diciembre de 1999.

El tema fue remezclado y relanzado como "Expo Remix" en noviembre de 2000.

En 1999, el ex-miembro Wolfgang Flür, publicó su autobiografía en Alemania. Llamada I Was A Robot "yo fui un robot"

En agosto de 2003, el grupo lanzó Tour de France Soundtracks, su primer álbum con nuevo material desde Electric Café en 1986.

En 2004 una caja titulada 12345678, subtitulada como The Catalogue, fue planeado para un lanzamiento. Iba a incluir ediciones remasterizadas de los álbumes del grupo desde Autobahn a Tour de France Soundtracks. Este objeto se planeo como un lanzamiento comercial. El objeto ahora solo existe como una copia promocional. Sin embargo, Ralf Hütter dijo en una entrevista a la televisión brasileña que Kraftwerk resumiría su trabajo en una caja una vez de que finalicen su tour 2008/2009, finálmente dicho pack se lanzará el 07 de septiembre de 2009 según ha confirmado EMI.

En junio de 2005. Minimum-Maximum, el primer álbum en vivo oficial del grupo, que fue grabado en la mayoría de los shows de la gira de 2004, recibió críticas positivas. El álbum incluye temas reconstruidos de sus álbumes de estudio existentes. Esto incluye un tema llamado Planet of Visions, que es un remix del tema Expo 2000. El álbum fue nominado a un Premio Grammy al mejor álbum dance/electrónico. En diciembre de 2005, el doble DVD Minimum-Maximum fue lanzado para acompañar al álbum, incluyendo imágenes del grupo interpretando en vivo los temas de Minimum-Maximum en varios lugares del mundo.

En Abril de 2008 se vio al grupo volver en concierto por los Estados Unidos, incluyendo su concierto anunciado previamente en el Coachella Valley Music and Arts Festival.

El 22 de noviembre, Kraftwerk fue programado para encabezar el festival Global Gathering en Melbourne, Australia pero fue cancelado a última hora por un problema de corazón de Fritz Hilpert

A finales de 2008, se anuncia por medio la página oficial de internet de la banda Radiohead que Kraftwerk será la banda invitada por la banda inglesa para abrir sus conciertos en su gira por América Latina. Se presentarían en Ciudad de México, Chile, Brasil y Argentina.

Para 2009, la banda anuncia finalmente el lanzamiento de las versiones remasterizadas de sus discos entre los años 1974 a 2003, bajo el nombre de "El Catálogo" (Alemán: Der Katalog), en el cual lanzan dos versiones, con los discos en aléman (lanzado el 2 de Octubre de 2009) y en inglés para el resto del mundo (5 de Octubre de 2009), al igual que un Box-set en cd y en Vinilo (para su lanzamiento el 16 Noviembre de 2009). Entre las curiosidades que trae este nuevo compilado está el renombramiento del álbum Electric Café a su título original Techno Pop.

El cuarteto alemán está trabajando en un próximo álbum, que según testimonios de Ralf Hütter en varias entrevistas, estará listo para finales del invierno de 2010.

Los amantes del sonido de síntesis les esperamos con verdadera devoción.

* LOS PRIMEROS APARATOS

THEREMIN

El theremin (théremin o théreminvox), llamado eterófono en su versión primitiva, es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Inventado en 1919 por el físico y musico ruso Lev Serguéievich Termen (quien luego afrancesó su nombre a León Thérémin).

El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia o tono: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa.

Originalmente, su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (que se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue tempranamente mejorado por el inventor, añadiendo posteriormente la antena para controlar el volumen tal y como hemos descrito. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un "Eterófono", y su uso frecuentemente es el de un aparato para efectos especiales más que un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas.

También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, theremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la empresa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija.

Los theremines originales estaban fabricados con las entonces novedosas, válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento, que, aunque no son un peligro para el ejecutante, si lo son para un intento de mantenimiento por inexpertos.

Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de theremines, los cuales son más robustos y adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables.

Uno de los más famosos Thereministas del mundo.

SINTETIZADORES MODULARES

En 1964, Robert Moog creó uno de los primeros módulos de tensión controlada para sintetizadores de música, y lo dio a conocer en la Convención AES de ese año. Los empleados de Moog, empresa dedicada a fabricar y comercializar sus sintetizadores que, a diferencia de los sintetizadores creados por Don Buchla ( otra figura destacada en la temprana historia del sintetizador), presentó un piano al estilo de teclado como una parte importante de la interfaz de usuario. Moog, también, estableció las normas para la interfaz del control del sintetizador analógico, con un control de tono logarítmico de un voltio por octava y un activador separado de la señal de pulso. El primer sistema de Moog fue comprado por el coreógrafo Alwin Nikolais. Lothar y de la mano las personas comenzaron a utilizar el modular de Moog en 1965. Los compositores Siday, Eric Swansen y Chris fueron los primeros clientes, con Paul Beaver fueron los primeros en utilizar un sistema modular Moog en una grabación en 1967.

El término Sintetizador Modular Moog hace referencia a cualquier sintetizador modular monofónico analógico diseñado por el difunto Doctor Robert Moog, quién fue pionero instrumentista electrónico. Este sitetizador fue fabricado por R.A Moog Co.(Moog Music después de 1972) aproximadamente desde 1963 hasta 1981.

Con el moog era posible crear un número casi infinito de sonidos. Estos sonidos podían imitar los sonidos de los instrumentos convencionales o generar sonidos completamente nuevos.

El moog modular era un sintetizador que se formaba a partir de la combinación de distintos módulos, por lo que su estructura no era siempre la misma. Cada módulo controlaba unas funciones determinadas. Como los módulos se vendían por separado, cada moog se podía configurar según las necesidades específicas que cada músico demandaba. Las posibilidades eran casi infinitas y cada cual buscaba la configuración que deseada.

El primer moog modular fue ensamblado en un enorme armario. Los distintos circuitos que generaban y filtraban el sonido se conectaban mediante cables que se podían intercambiar, como si se tratase de una centralita telefónica (igual que en los patchs). El núcleo básico del sintetizador era el módulo con el filtro paso bajo (corta las altas frecuencias dejando pasar sólo los graves en función del límite (frecuencia de corte) preseleccionada con el potenciómetro.

Desde su primera versión, el moog superaba en prestaciones a los prototipos que la RCA comercializaba (desarrollos a partir de sus MARK I y II). Además, el moog era mucho más barato. Costaba 11.000 dólares frente a los 100.000 de un prototipo de la RCA.

La aportación de Moog y su sintetizador a la música es incalculable. Algunos de los muchos géneros musicales en que se utilizó su invento fueron el rock (progresivo, psicodélico, la new wave, el metal, hard rock y el glam). También ha sido usado por algunos artistas clásicos, además de en todos los subgéneros del electro pop y la música electrónica en general.

Buchla 200

* UN POCO DE HISTORIA...

A pesar de que los primeros sintetizadores fueron construidos en la década del '20, no fue hasta los años 60 cuando comenzaron a popularizarse. Su desarrollo tuvo lugar principalmente en los laboratorios de electrónica de las universidades de los Estados Unidos. Allí, algunos pioneros como Bob Moog construyeron prototipos de sintetizadores e hicieron demostraciones.

Al principio, el sintetizador era visto como algo puramente experimental y elitista, quizá por el hecho de que sólo algunos artistas de la vanguardia se atrevieron a componer música hecha para sintetizadores.

En el año 1968, un músico llamado Walter Carlos en colaboración con Moog grabó una serie de obras de Johann Sebastian Bach en un disco llamado Switched-on Bach (más conocido en los países de habla hispana como Bach Electrónico), usando un sintetizador Moog modular y una grabadora de 4 pistas. El álbum fue recibido con inusual atención, vendió cientos de miles de copias, fue el primer álbum de música clásica en obtener un premio Grammy así como ser el primer álbum de música clásica en vender un millón de copias y probó al gran público que el sintetizador podía ser adaptado a la música tradicional.

Con el surgimiento de un nuevo mercado los fabricantes diseñaron modelos más pequeños como el Minimoog, además comenzaron a aparecer fábricas en Japón de la mano de marcas como Roland y Yamaha.

Los nuevos estilos musicales de los '70, como el rock progresivo, demandaban nuevos sonidos y el sintetizador fue adoptado con gusto. Algunos de los héroes de los sintetizadores de los años 70 fueron Keith Emerson de Emerson, Lake & Palmer y Rick Wakeman de Yes.

Hasta este momento los sintetizadores eran usados para agregar sonidos novedosos a los instrumentos ya existentes. Pero con la llegada de la tecnología digital fue posible que éstos comenzaran a emular instrumentos ya existentes, como vibráfonos y pianos eléctricos.

En esta época, nació la que hoy es considerada la música electrónica de mano de pioneros como el grupo alemán Kraftwerk. Se trata de música repetitiva y algo robótica producida casi exclusivamente por sintetizadores. La música electrónica derivó en subestilos como el technopop o synthpop, donde se destacaron bandas como Depeche Mode, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Ultravox, Alphaville, The Human League, Erasure, Soft Cell, Gary Numan, Pet Shop Boys y más en la actualidad grupos como Destroyer, The Russian Futurist o los españoles Limousine.

En 1983 se adaptó la interfaz MIDI que permitía a diferentes marcas de sintetizadores comunicarse entre sí y grabar lo que se tocaba en un aparato llamado secuenciador. Esto revolucionó la forma de hacer música ya que cualquiera podía programar aunque no fuera un buen ejecutante. Los sintetizadores más representativos de esta era son el Yamaha DX7 y el Roland D-50.

A comienzos de los '80 se desarrolló también el sampler o muestreador, que permitía grabar sonidos reales y reproducirlos. Esta tecnología posibilitó lo que es común hoy en día, que se utilicen sintetizadores y samplers para emular casi todos los sonidos existentes.


                                                                                                           Fuente: Wikipedia